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Quando a insanidade encontra a inocência

2010-12-05T10:46:00.001-08:00

Há diversos filmes sobre insanidade na história do cinema. Existem muitos na seção de comédia, vários dramáticos e há títulos em que a personagem principal sofre ou apresenta sinais de algum distúrbio mental. A diferença entre eles e Abel - filme integrante da 34ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo - está na delicadeza.

Depois de dois anos internado em uma instituição psiquiátrica, o garoto Abel, interpretado pelo pequeno Christopher Ruíz-Esparza, é buscado pela mãe para ficar durante uma semana sob observação em casa antes de ser - ou não - transferido para um hospital especializado na Cidade do México.

De volta ao lar, o menino pouco fala e não consegue dormir sem medicação. Depois de uma noite em frente à TV e de olhar fotos do pai que os deixou, ele começa a fantasiar que é a figura paterna que os abandonou. Cecília, a mãe do garoto e interpretada por Karina Gidi, teme perder o filho novamente e se envolve na paranóia, assim como seus filhos, irmãos do protagonista.

Essa repentina mudança do garoto gera diversos momentos cômicos, pois ao tomar o lugar de “pai”, Abel se torna um pequeno homem autoritário e severo. Verifica as lições da irmã mais velha, interroga namorados e dá ordens à mãe. Tudo anda aparentemente bem, até que o pai das crianças volta para casa, dizendo sentir falta da família, mas com real pretexto de vender o terreno em que moram.

Ao encontrar o filho naquele estado, Anselmo, papel de José María Yazpik, sente pena e faz de tudo para que o menino seja internado. Nesse momento a história começa realmente e entendemos o porquê dos problemas do garoto e família.

Esse é o primeiro filme de ficção dirigido pelo ator Diego Luna, de E Sua Mãe Também e Milk. Apesar de não ser um dos principais filmes da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, conseguiu chamar a atenção pública para as suas poucas - e lotadas - sessões.

O universo infantil do filme é muito bem trabalhado, assim como a banalização do universo adulto. Abel e Paúl, irmãos no filme e vida real, são os pontos fortes do longa, pela naturalidade de suas interpretações. Já os adultos são caricatos e pífios. Essa diferença explicita a real intenção do diretor: questionar em que pessoas os problemas se concentram. Abel é uma obra delicada e necessária, que tem tudo para agradar pais e filhos.

Trailer

Sangue na água

2010-12-05T10:40:00.001-08:00

(ou “Piiiiiiiiranhaaaaa, é um peixe voraz…”)

Nos filmes de terror americanos, as férias de primavera são épocas bastante propícias para assassinatos em série, desastres naturais e maldições. Afinal, jovens bêbados e sem controle são alvos fáceis e dão uma atmosfera de casualidade às eventuais mortes que podem - e devem - ocorrer, ainda mais quando são terrivelmente lentas, dolorosas e sangrentas. Esse é o mote - e parte da sinopse - do terror Piranha, dirigido pelo francês Alexandre Aja.

Durante um terremoto, uma fenda no fundo do lago principal de uma cidade do Arizona se abre e libera piranhas pré-históricas, escondidas em um pequeno abrigo por milhares de anos. Sedentas por sangue, saem aterrorizando a população e milhares de jovens turistas.

Com o ex-galã Jerry O’Connell, - um dos ex-namorados de Sidney na trilogia Pânico -, a atriz pornô Gianna Michaels e o eterno Doc da série De Volta para o Futuro, Christopher Lloyd, em papéis secundários que merecem atenção, Piranha é mais um caso de refilmagem que deu certo e merece ser vista. O remake não deve nada ao original, pois mesmo com todos os apetrechos tecnológicos utilizados na atual versão, mantém um pouco da áurea cult da primeira, cuja sequência foi dirigida pelo então desconhecido James Cameron.

O 3D volta aos seus primórdios, já que foi criado como um macete para atrair fãs de filmes trashpara o cinema, e apenas torna o longa mais divertido. Os amantes de megalomanias cinematográficas, como Avatar, certamente se sentiram ofendidos, porque o diretor do longa indicado ao Oscar abominou a produção de Aja. Os efeitos são bons, passam realidade à cena e quebram com a estigma que obras de terror costumam ser mal feitas e completamente fantasiadas, mas o surrealismo não é, em tempo algum, abandonado.

Piranha não foi feito para ser bom, mas para divertir e enojar. Politicamente incorreto e com um humor negro – e de gosto duvidoso -, o filme tem nessa quebra com o convencional seus pontos fortes. “Suor, sexo, sangue” são as palavras que melhor o definem, já que a história se passa em lugar quente, cheio de moças bonitas de roupas minúsculas e com peixes assassinos. E o filme não quer mostrar nada além disso. Quem vai ao cinema esperando um filme revolucionário, certamente se decepcionará. Mas, para aqueles que buscam diversão, ela é garantida.

Trailer

Um pouco de tudo, um pouco de Serj

2010-12-05T10:03:00.001-08:00

O trabalho de Serj Tankian sempre foi diversificado. Durante a sua carreira como líder da banda System of a Down, ele fundou com Tom Morello, - guitarrista do Rage Against The Machine - a ONG Axis of Justice, lançou um CD com o músico folclorista Arto Tunçboyacyan e escreveu um livro de poesias. Depois de doze anos, cinco álbuns e diversos prêmios, a sua banda entrou em “hiato”. Os outros integrantes migraram para seus outros trabalhos. O baterista John Domayan, se uniu ao guitarrista Daron Malakian e formou o Scars on Broadway, e o baixista Shavo Odjayan, partiu para o hip hop criando, com o rapper RZA, a Achozen.

Já o vocalista se dedicou à carreira solo, mas não se afastou dos projetos paralelos e nem da atitude politizada que regia os trabalhos do SOAD. Lançado em 2007, o seu primeiro álbum solo, Elect The Dead, tem um pouco de todas as suas experiências. Há o som pesado do SOAD, junto com as letras engajadas e toques de música oriental.

Muito comparado aos trabalhos da sua banda, o primeiro disco solo de Serj Tankian despertava um sentimento de perda nos fãs do SOAD, já que faltava o toque dos outros componentes da banda. Porém, o trabalho solo é mais romântico e melancólico. Essa diferença é clara em seu novo disco: Imperfect Harmonies.

Lançado no dia 21 de setembro, o CD foi introduzido por uma campanha forte no site de Serj Tankian. Uma promoção pedia para os fãs mandarem vídeos e participarem de ações promovidas pela equipe do músico. Outro texto postado na página falava sobre o fim das fronteiras – geográficas ou não, como discriminações e preconceitos - e uma ação em conjunto com a ANCA, um grupo político que trabalha em prol dos armênios que vivem na América, pelo reconhecimento do genocídio armênio, ideia defendida por Serj e companheiros do SOAD desde os primórdios da banda.

Em relação à música em si, Imperfect Harmonies tem um estilo bem uniforme, mas um pouco diferente do primeiro disco. Não possui um som tão pesado e puxado para o heavy metal, mas flerta com outros estilos como blues, jazz e eletrônico. Para muitos fãs, esse trabalho mostrou um Serj mais sem graça, já que não tem guitarras estridentes e gritos característicos do SOAD. O que encontram nesse CD é um artista mais velho e poeta que músico.

A primeira música a ser lançada, Borders Are, tem uma batida mais marcada que as outras. A sua letra faz referências, mesmo que implícitas, ao texto publicado no site do músico. Deserving?começa calma, mas ganha força e tem um refrão mais pesado, em contraste com a voz atual de Serj, mas, ainda sim, sem muitos gritos ou elevações de tons. Beatus é melancólica e, assim comoWings of Summer, romântica. Gate 21, que havia sido apresentada ao público antes do lançamento do CD, é tocada apenas no piano, como Yes, It’s Genocide – cantada em armênio, faz referência as ideias e trabalho da ANCA em prol do reconhecimento do genocídio cometido em 1915.

Imperfect Harmonies é equilibrado, mesmo sendo uma mistura de estilos. O grande problema do álbum é exatamente esse, já que faz com que os fãs antigos de Serj, que o acompanham desde sua época no System of a Down, se sintam um pouco órfãos. Porém, o disco tenta preencher esse vazio com o que eles mais gostam: um pouco de Serj Tankian.

O primeiro single “Borders Are”

A tênue linha que divide dois mundos

2010-10-12T18:34:00.001-07:00

O que uma viúva protestante do interior da Inglaterra e um guarda florestal muçulmano da França têm em comum? Essa pergunta que o filme Destinos Cruzados, de Rachid Bouchareb, quer responder. Mesmo conseguindo, não deixa de levantar uma série de questões presentes em toda a sociedade que lida diariamente com o medo e insegurança.

O longa se passa em 2005. Elisabeth (Brenda Blethyn) é uma dona de casa religiosa que vive em uma pequena cidade no Canal da Mancha. Depois de saber de um atentado em Londres, fica preocupada com a filha, que foi para a capital estudar. Sem notícias da jovem, parte em busca dela. Ao mesmo tempo, na França, o argelino Ousmane (Sotigui Kouyaté) viaja para Londres atrás do filho, depois de receber um recado da ex-esposa.

Ao chegarem ao destino, a busca dos dois por informações se torna desesperadora, já que ninguém sabe do paradeiro dos dois jovens. A viúva católica tem que lidar com o preconceito que sente dos vizinhos de sua filha, moradora de um bairro predominantemente muçulmano. Já o guarda florestal sofre com a dificuldade de comunicação e hostilidade de muitos, devido a sua cor e religião.

A Londres pós-atentado é de puro caos e medo. As reportagens da TV mostram corpos sem vida e familiares chorando, as listas de feridos e mortos não param de crescer e nenhuma notícia dos jovens. Ao descobrirem que seus filhos mantinham um relacionamento, Elisabeth e Ousmane se unem na busca por notícias, que podem ser boas ou ruins.

A obra não cai na tentação de se tornar um dramalhão com uma emoção frágil, mas trata de um tema pesado de forma leve e natural, sem ser apelativo. Vários fatores, como o roteiro e a trilha sonora, ajudam nessa parte, mas o grande mérito é da atuação. Brenda Blethyn apresenta uma senhora crente em suas convicções e mostra a perfeição da construção da personagem por meio de falas e olhares. Já o ator Sotigui Kouyaté chama atenção através de gestos curtos e um silêncio sincero. Esse foi o último filme do ator, morto no início do ano, e uma das suas mais aclamadas atuações.

A primeira vista, Destinos Cruzados é um filme sobre uma busca e o amor que os pais sentem pelos seus filhos, independente da sua participação na vida deles. Mas, para os olhares mais atentos, trata sobre diferenças e solidão. Em um mundo pós 11 de setembro, que lida diariamente com problemas táteis, como guerras e prisões, e abstratos, como preconceito e individualismo, o tratamento possui alta dose de realismo, porém é sensível e verdadeiro.

London River–trailer

Chegando agora

2010-10-12T18:27:00.001-07:00

Encarar o cotidiano de forma divertida e quase teatral é o mote das músicas de Rhaissa Bittar. O seu disco de estreia, Voilá, dá apenas uma mostra da habilidade da jovem em contar histórias. Como tal, ela escolheu entrar no mundo do Jornalismo ao mesmo tempo em que entra no da música. Rhaissa começou a ser conhecida depois de interpretar a música Don’t Let Me Be Misunderstood, na campanha da loja C&A e foi convidada para cantar no desfile da marca. Em Voilá, brinca com as palavras e a voz, dando um tom leve e criativo à músicas com batidas diferentes, feitas por músicos convidados. Em entrevista, a cantora independente fala sobre a carreira, divulgação de seu trabalho e planos para o futuro, que está começando agora. Confira:

Por que quis ser cantora?

Desde pequena eu sempre quis ser cantora. Era uma coisa maluca e sempre tive vergonha de dizer para as pessoas. Achava uma coisa meio sonho da Xuxa, sabe? Como se fosse aquela criancinha que diz “quero ser cantora”. Demorei um tempo para assumir isso. Mas até lá, eu fiz aula de canto, violão e piano. Com 17, fui fazer um estágio em uma produtora de áudio, que fazjingles publicitários. Fiquei como assistente de estúdio por aproximadamente cinco meses e percebi que dá para viver de música e decidi tentar. Conheci uma galera e fui morar em Taiwan. De volta ao Brasil, comecei a trabalhar como cantora de jingles e locutora. E comecei a gravar um CD na Panela Produtora. Quando dei por mim, já tinha que falar que era cantora, já que eu respondia antigamente “Ah... eu canto”.

Por que você foi para Taiwan?

Fui fazer intercâmbio de colegial. Me formei na escola aqui, fiquei meio ano fazendo esse estágio na produtora e fui fazer o colegial em Taiwan pelo Rotary Club. Fiz um ano no colegial vocacional, onde tinha aula de músicas e teatro. A proposta do programa era viver como uma taiwanesa por um ano.

Você disse que sempre quis ser cantora. Mas por que escolheu fazer faculdade de Jornalismo?

Me pergunto isso todo dia. (risos) Eu gosto de Comunicação. Eu optei por fazer aulas de canto particulares e quero voltar fazer aula de música, como teoria, para estudar sozinha e, em paralelo, fazer uma faculdade de Comunicação. Quando estava em Taiwan, fiz algumas coisas de Jornalismo e, pelo menos por formação, optei por esse curso. E até tem a parte das novas mídias e a interdisciplinaridade. Acho muito interessante misturar as disciplinas. Então, gostando de música e sendo cantora, talvez isso possa me dar outra característica como jornalista no futuro.

Como você faz para conciliar a vida de estudante com a de cantora independente?

Nossa, ontem tive que atrasar um trabalho. Estava gravando e, de repente, acabou a luz. Tinha que voltar para terminar o meu trabalho à noite. Mas não deu tempo e tive que mandar por e-mail de madrugada e explicar o que tinha acontecido para o professor. Ser cantora é uma coisa mais. Eu tenho os exercícios vocais, mas não é como a faculdade, que pede muito de mim. Ao mesmo tempo, como eu sou cantora independente, cuido dos meus projetos e corro atrás disso. Sou a cantora e a produtora, por enquanto. Então ocupa bastante tempo. Mas estou levando, costurando o tempo.

Como você faz para divulgar o seu trabalho?

Utilizo a internet e o boca a boca. Anteontem, um japonês falou no Twitter sobre o disco. Era o meu CD com o meu nome. Ele disse que estava ouvindo e tudo mais. Fiquei surpresa. Nem sei como o meu trabalho foi chegar aos ouvidos japoneses. Não gostava muito de Twitter, mas abri só para fazer a divulgação. Você conhece gente e gente te conhece. É incrível como o boca a boca tem força, tem o selo do amigo.

Você que está entrando agora, como você vê a cena musical brasileira?

Essa pergunta é tão difícil de responder. A cada momento, descubro mais cantoras e bandas novas. Ainda mais na internet. Você dá uma “fuçadinha” a mais e já descobre outro universo, meio ou núcleo de cantoras. Outro dia estava ouvindo Tatiana Parra. Ela tem um estilo de cantar que eu não conhecia muito bem, mas vi que tem mercado, que tem cantores gravando CD e tudo mais. Gosto muito do que a Céu e a Tié estão fazendo. Acho que cada vez menos vai ter aquele artista de multidões, se tiver será muito passageiro ou rápido. Cada vez mais os artistas vão ter o seu público mais fechado e que não lotam um Maracanã. Mas isso é só um “achismo”, afinal estou chegando agora.

O que te inspira na hora de cantar e compor?

O que me inspira na hora de cantar é a história que a música quer contar para as pessoas e as emoções que eu quero passar. No Voilá, as músicas são histórias que a gente conta. Até os músicos que fazem participações especiais assumem as personagens na hora de tocar. Isso é um pouco o que tento fazer, mas sem exageros.

Você disse que as suas músicas são histórias. Acredita que o jornalismo ajuda nessa parte de “contar histórias”?
Acho que talvez ajude e eu nem saiba. Quando escrevo alguma coisa para faculdade, tudo influencia. Tudo que vivi, que estou fazendo e todas as experiências que estou vivendo no momento vão me influenciar. Sem dúvida, o que estou fazendo como Jornalismo está me influenciando na minha forma de me comunicar com as pessoas.

Qual é a sua música favorita do Voilá?

É muito difícil e cada hora eu tenho uma. Tem hora que é Pa ri e tem hora que é Pombo Correto. É muito divertido cantar todas elas. O Maurício Pereira fez Piquenique no Horto, o Daniel Galli e o Filipe Trielli fizeram a música para essa letra. Ficou uma coisa. É legal quando a música ajuda a dar vida à letra e a contar a história que a letra está contando. Uma coisa está casada com a outra e não separada. Essas músicas são assim e tenho prazer em cantar todas elas.

Muitas famílias não gostam quando o filho diz que quer seguir a carreira artística. Como a sua família vê isso?

Eles babam, vão em todos os shows, aplaudem e contam para os amigos. Mas, ao mesmo tempo, sabem que estou fazendo a faculdade de Jornalismo. Ainda não me joguei e disse que vou ser cantora e só vou fazer música. Então, eles se sentem mais seguros, porque eu estou fazendo faculdade.

Esse é seu primeiro CD. Tem planos de gravar mais?

A gente ainda quer fazer clipe e divulgação. Também queremos shows aqui e em outras cidades. Então, os planos dos próximos anos serão de divulgação. Mais para frente, talvez grave outro CD. Mas nem sei.

Um filme em busca de respostas

2010-09-07T20:16:00.001-07:00

(não é a primeira vez que eu falo de REC aqui no LDV e, se você quiser ver o que eu disse sobre o primeiro filme, clique aqui)

Quais são as chances de uma sequência alcançar o êxito do primeiro filme de uma saga? Independente do gênero, continuações tendem a frustrar e, por isso, são renegadas. E quando a produção em questão é de terror? Muito populares no ciclo que usa mortos-vivos, sangue e espíritos como mote narrativo, são geralmente envoltas em humor negro, assassinos imortais e sátiras.
No caso da continuação do terror espanhol REC, REC 2 – Os Possuídos se perde ao tentar explicar o que aconteceu no primeiro filme. A história recomeça exatamente do momento onde parou: depois de uma infecção por um suposto vírus, um prédio localizado no centro de Madri é cercado pela polícia e seus ocupantes – entre eles, bombeiros, uma repórter e um cinegrafista – são proibidos de sair do edifício. Perdendo sinais de sobreviventes dentro do local, uma equipe especial da polícia entra no lugar para verificar a situação. São acompanhados por um médico que dá a ordem: “tudo deve ser documentado”. Uma vez dentro do prédio, descobrem a real causa da suposta “infecção”.

O longa, assim como o primeiro da série, tem aparência de gravado com a câmera na mão, o que passa um pouco da tensão do ambiente para o espectador, mas também chega a ser enjoativo. A história de REC 2 é contada por meio de três filmadoras diferentes: a da equipe especial da polícia, a de um grupo de jovens que consegue entrar no edifício por meio de um acesso subterrâneo e a da repórter Ângela, que protagonizou o primeiro filme com o cinegrafista Pablo.

Para quem não viu REC, algumas referências podem ficar obscuras ou passarem batidas, mas ele não é extremamente necessário para a compreensão da sequência. A produção, assinada pelos mesmos diretores do primeiro, Jaume Balagueró e Paco Plaza, tenta manter a mesma adrenalina e terror do anterior, mas se perde sendo algo que poucos filmes de terror conseguem – ou podem – ser: racional.

A produção não é ruim e, como toda sequência de um filme bom, surpreende por não ser pior. A melhor atuação ainda é de Manuela Velasco, que dá “vida” a repórter. Os efeitos especiais são básicos e reais, o que faz com que a história não caia no comum. A quebra cronológica é bem explorada, tornando o enredo compreensivo. O final do filme dá brecha para uma - ou melhor, duas - já prometidas sequências, que, segundo os diretores, serão lançadas em 2011 e 2012. Agora, resta saber se o longa continuará buscando respostas e teorias ou se focará no que RECse mostrou especialista: assustar e enojar.

A liberdade de misturar

2010-09-07T20:09:00.001-07:00

Conhecida internacionalmente depois do lançamento da música Bucky Done Gun, de seu primeiro disco, Arular, M.I.A., nascida Mathangi Maya Arulpragasam, sempre buscou referências em estilos diferentes. No álbum, um ritmo famoso no Brasil, o funk, mistura-se com a voz estridente e mixagem desordenada. Tanto que, na coletânea Piracy Funds Terrorism, há funks cariocas remixados com Papa Don’t Preach, da cantora Madonna, e Sweet Dreams, da banda Eurythmics, feitos pela cantora inglesa. O sucesso obtido com as mesclas e as raízes asiáticas fizeram com que ela fosse chamada para participar da trilha sonora do filme Quem quer ser um milionário?, com a aclamada Paper Planes e a músicaO...Saya.

Apesar de tratar do mundo da tecnologia, as canções do novo álbum da cantora, MAYA, são, em sua maioria, diferentes entre si, deixando o CD um tanto confuso e mais com cara do estilo atual de M.I.A., - roupas de estampas diferentes e que, a princípio, não combinam entre si. A primeira faixa do disco, The Message é introduzida pelo característico barulho de dedos digitando em um teclado. XXXO, o mais novo hit, brinca com a linguagem de internet e mostra um lado mais pop do disco. Já Teqkilla é a imagem perfeita das misturas que adora fazer, já que é caótica e veloz ao misturar palmas, batidas eletrônicas e cítaras. Lovelot perece ter fugido do primeiro trabalho da cantora, com batida mais funk e menos tecnológica. Com uma sonoridade mais levada ao reggae e um tanto enjoativa,It Takes a Muscle tem o pegajoso refrão de uma linha só: “It takes a muscle to fall in love”. Por outro lado, Born Free é a melhor música do CD. Violenta, barulhenta e pesada, a canção ficou bastante conhecida, mesmo antes do lançamento do álbum, devido ao seu videoclipe, que foi deletado do Youtube por ser considerado extremamente violento. Meds and Feds surpreende com o seu riff pesado de guitarra e música eletrônica, e Space, que evidencia o lado asiático da artista.

Fazendo alusões claras à linguagem e a tudo aquilo que é consumido pela geração que vive na internet, o disco mostra as suas intenções logo na capa. Lá o rosto de M.I.A. é coberto por váriosplayers do Youtube e o nome do CD, que se lê “Maya”, é apresentado em símbolos gráficos. Mesmo longe de superar os discos anteriores da cantora, MAYA é interessante, apesar de não manter um padrão e, por isso, tende a causar certo estranhamento aos fãs mais antigos. Por outro lado, atrai público novo com o som distinto e mais moderno. Marketing ou amadurecimento? Não importa, o fato é que M.I.A. sabe misturar, independente dos ingredientes.

Confira alguns clipes de M.I.A.:

M.I.A. – XXXO

Apresentação de M.I.A. no The Late Show with David Letterman

Música de família

2010-08-14T07:11:00.001-07:00

Testar diferentes sonoridades e reinventar a forma de fazer música sempre foi uma regra na história do Pato Fu. A banda, criada em 1992, contou inicialmente com a voz de Fernanda Takai, guitarra de John Ulhoa, baixo de Ricardo Koctus e bateria eletrônica para gravar os primeiros discos. Atualmente são acompanhados pelo baterista Xande Tamietti - que entrou em 2002 - e tecladista Lulu Camargo, que está com eles desde 2005. E, apesar das mudanças, mantiveram a característica de unir letra e melodia de uma forma única.

Pato Fu faz parte das bandas que seguem a escola fundada pelos Mutantes - e Tropicalismo como um todo - misturando novas sonoridades à sua música. Mesmo tendo abandonado a bateria elétrica com a entrada de um baterista de carne, osso e muita velocidade, os traços eletrônicos nunca desapareceram das composições. Mas é em seu mais recente trabalho que o estilo que tanto acompanhava o quinteto divide espaço com um novo instrumento: a infância.

Live and Let Die.

Munidos de instrumentos de plástico e itens já muito utilizados por crianças,, como um Genius, a banda criou o seu mais novo álbum, Música de Brinquedo. Como o título diz e cada faixa faz questão de lembrar, tudo que é tocado ali vem de um instrumento de “mentirinha”. No making of do disco, que apresenta covers de grandes nomes como Paul McCartney e Tim Maia, percebe-se a dificuldade de fazer música, digamos, séria, com brinquedos. Mas, segundo Jonh Ulhoa, deve haver um desapego da estética para criar uma canção, de fato, nova, já que tudo que é produzido hoje é muito minado na busca pela perfeição.

Os vocais de Fernanda dividem o espaço com a filha dela e Jonh, Nina, de 6 anos. A menina e mais três amigos fazem o papel de backing vocal de algumas músicas, em especial Primavera, do Tim Maia. No caso de Twiggy Twiggy, a vocalista, Nina e o amigo Mateus conversam durante a canção, dando um clima ainda mais meigo a um projeto que transborda nostalgia e naturalidade. O destaque do disco é a faixa Ska, de Os Paralamas do Sucesso, e Love Me Tender, de Elvis Presley.

Twiggy Twiggy.

Não é o primeiro trabalho de ícones da música brasileira que unem o universo infantil e adulto. No ano passado, Edgard Scandurra e Arnaldo Antunes se uniram no projeto Pequeno Cidadão, mostrando que música infantil também pode ser ouvida por pessoas que já não brincam mais com bonecas ou carrinhos. Pato Fu também entra nesse mérito, de fazer música para ser ouvida em família e tanto por crianças quanto adultos, já que esses, no fundo, permanecem um pouco crianças.

Todos estão surdos.

Quando o medo é obra do acaso

2010-07-25T17:14:00.001-07:00

Sempre que ouço alguém dizer que não gosta de M. Night Shyamalan, tenho quase que total certeza que essa pessoa não entendeu os filmes que assistiu. Claro que essa afirmação é totalmente baseada na minha visão de fã e no fato de considerar que o único “bagulho” de sua carreira, que vai de “Sexto Sentido” a “Stuart Little”, é o “Dama na Água”. Confesso também que o meu favorito é “Fim dos Tempos”. Primeiro, porque é totalmente sem sentido. Segundo, porque eu adoro filmes que não explicam nada. E, terceiro, porque eu adoro a forma “isso pode acontecer”.

Mas vamos a novidade: saiu o trailer de “Devil”. O filme faz parte da trilogia “The Night Chronicles”, que são longas baseados em idéias de Shyamalan. E, só com isso, já podemos dizer que o que virá será o tão famoso terror nonsense que tanto gostamos (ou melhor, que tanto gosto).

Como todo filme do diretor de “A Vila”, o trailer promete bastante tensão e um ar meio “putz, o que tá acontecendo?”, uma característica de (quase) todos os trailers de produções dele. Outro ponto que M. Night gosta de trabalhar é com o acaso como ponto de ínicio de suas histórias. É a ideia de que a vidinha cotidiana vai muito bem até que BAM! o mundo acaba de uma forma aparentemente inexplicável. Mas, para ver se esses pontos serão bem trabalhados nessa obra da mente de Shyamalan, temos que esperar até que o filme seja lançado. Já que, assim como não podemos planejar o acaso, não podemos planejar o que haverá em um filme de M. Night Shyamalan.

Rock, rock, rock!

2010-07-13T07:21:00.001-07:00

Livros no vídeo

2010-07-09T22:30:00.001-07:00

O Bola da Foca tem um videocast de literatura, o Erudir. A ideia é simples: discutir literatura, dos clássicos aos livros mais moderninhos, de forma simples – ou melhor, sem nenhuma erudição.

Como a autora desse blog participa ativamente desse projeto desde sua terceira edição (ela é a dona da filmadora, editora e produtora do programa), aqui estão os vídeos do “Erudir – o seu videocast de literatura”. Bom divertimento e boa leitura!

Eles vieram em paz

2010-07-09T22:15:00.001-07:00

Em 2001 foi lançado o primeiro cd da banda virtual Gorillaz, grupo totalmente diferente do que tocava nas rádios da época. Com nomes e personalidades próprias, os ‘desenhos cantores’ uniam guitarras, tinta e o bom humor das letras junto aos clipes bem produzidos. Como era de se esperar, viraram uma febre mundial.

O que poucos sabem é que isso tudo nasceu de uma brincadeira - com um toque de crítica - do músico inglês Damon Albarn e do cartunista Jamie Hewlett com o culto à celebridades que reinava - e ainda reina - nos canais de música. Uma banda onde as vozes não tivessem caras, mas desenhos, e que ninguém soubesse quem estava por trás delas. Inovador, não? Para Albarn, vocalista do Blur e ícone musical dos anos 90, era dessa “inovação” que o mundo da música estava precisando.
Em 2005 chega às lojas o segundo trabalho da banda, Demon Days, com milhares de participações especiais e o sucesso continuou. Mas foi esse ano – mais especificamente, no dia 8 de março – o lançamento do trabalho mais inovador deles: Plastic Beach. Logo na primeira semana, o disco atingiu a marca de 112 mil cópias vendidas.

Apesar de manter a mesma batida dos álbuns anteriores, quem acompanha o grupo desde o começo sente um lado mais eletrônico e dançante nas músicas. Tanto que David Albarn disse que esse é o trabalho mais pop que já fez. A mistura de gêneros e estilos musicais continua constante durante todo o disco. Um exemplo claro é a canção White Flag, feita com participação especial dos cantores Kano, Bashy e também da Orquestra Nacional Libanesa, que vai da tradicional música árabe ao hip hop em seus quase quatro minutos de duração.

Um ponto a ser levantado é a interação da banda com a rede mundial de computadores. Além do óbvio lado de ser uma banda virtual e de suas primeiras criações remeterem ao mundo da internet, o mundo em high definition afetou a estética tanto dos videoclipes da banda, que se aventuraram no mundo 3D e na pirotecnia tecnológica, quanto nos próprios personagens, que ganharam uma nova roupagem, um traço mais fino e anos a mais. Afinal, também são celebridades.

"White Flag" no Festival Roskilde desse ano.

Um dia de luz

2010-07-09T21:55:00.001-07:00

Alguns dias antes de subir ao palco, Matthew Miller, mais conhecido como o rapper Matisyahu, recebeu, em sua página no Twitter, uma mensagem de um fã brasileiro pedindo para tocar Time of your song, do primeiro CD, em seus shows no Brasil. O cantor respondeu o recado, perguntando em qual das duas apresentações ele estaria e se gostaria de sugerir uma setlist. O fã não respondeu, abertamente, o pedido do rapper. Mas, em São Paulo, Matisyahu cumpriu a sua parte: o concerto que fez no dia 11 na capital paulista foi aberto com a música Time of your song.

Foi com calça jeans, camiseta, jaqueta ekipah, que provou não ser necessário pirotecnia e muita produção para realizar um bom show. Fazendo referência ao novo CD, intitulado Light (luz, em inglês), o palco do rapper foi simples e repleto de jogos de luz. Acompanhado da banda Dub Trio, o músico americano prezou pela técnica e participação do público, fãs alucinados que não erravam uma frase dos sucessos.

Para cantar o seu mais novo hit, a música One Day, o cantor pediu para que os fãs subissem no palco. A canção, tema dos Jogos Olímpicos de Inverno de 2010, foi cantada por um Via Funchal quase lotado a plenos pulmões, enquanto a parte do público que tinha conseguido se juntar ao rapper começava a dar mosh, como o cantor fez duas vezes durante a apresentação.

Esbanjando presença de palco, Matisyahu se dava ao luxo de sentar nos amplificadores de som e apenas assistir a banda tocar. Entre uma música e outra, entoava mantras como se pedisse por mais energia para alcançar o nível de ânimo de seus fãs. É a segunda vez que o rapper se apresenta em terras brasileiras, mas, de longe, essa foi a mais animada. A primeira foi no Clube Hebraica, em 2007.

Não se dirigiu ao público muitas vezes, não arriscou frases em português e nem contou histórias, como grande parte dos artistas que vem ao país fazem para criar um clima de intimidade. O cantor disse somente que sentiu falta do país, estava feliz em retornar e, no final, abençoou o público, mas foi a sincronia entre artista e fãs que deu um toque de intimidade no show.

Depois de sair do palco, ele voltou e começou a tocar Kodesh, canção pouco conhecida, mas mesmo assim o público não deixou de cantar junto. Quando essa acabou, o mar de fãs pediu uma música mais famosa e responsável por certa projeção internacional, King without a crown. Grande cumpridor de promessas, ele cantou, levando a plateia a loucura.

One Day. A música que todo mundo subiu no palco.

Light com algo mais

2010-05-02T16:24:00.001-07:00

Quando o assunto é Coca-cola, algumas pessoas são categóricas: dizem que a tradicional é a melhor de todas e que as opções apresentadas como “menos calóricas” do famoso refrigerante pecam pela falta de sabor. Do outro lado, os defensores das versões diet, light e zero dizem que elas são menos enjoativas que a original, com o seu gosto doce demais. Discussões a parte, o fato é que o refrigerante é o mais consumido no mundo. Mas, o mundo das versões do refrigerante ganhou recentemente mais uma companheira: a Coca-cola Light Plus.

Lançado em terras brasileiras no Fashion Rio, o refrigerante tem na composição vitaminas e minerais e vem bater de frente com a proliferação de refrigerantes levemente gaseificados, como Aquarius. Servida na lata Sleek, de 310 mL, ela equivale a um pouco mais que um copo americano. Segundo o site desta novidade, ela também pode ser encontrada na versão garrafa de 1,5L. Mas, a que vos escreve só viu a versão lata.

O fato é que, segundo especialistas, ela é realmente vitaminada, pois vem com B3, B6 e B12, e tem magnésio e zinco. A mistura deixa um gosto mais adocicado e diferente na Coca. Ela é gostosinha, mas não chega perto da versão tradicional e nem das “menos calóricas”. O problema é o preço, que chega a 10 centavos a mais que as versões mais conhecidas para o refrigerante e ainda vem menos. Mas, para quem gosta de refrigerante e ponto final, vale a pena provar.

(Post postado no Inmetra)

Amor à primeira transferência

2010-04-11T09:40:00.001-07:00

Dirigido e escrito por Dany Boon, o filme mostra uma França diferente da conhecida nos cartões postais. Boon nos transporta para um país caloroso, simples e diferente do estereótipo de cidade francesa que criamos. Grande parte da ação se passa em Bergues, região do norte da França.

Preocupado com a saúde de sua esposa, o gerente de uma agência dos Correios, Philippe Abrams (Kad Merad) é capaz de tudo para livrar a companheira de uma forte depressão, inclusive lutar com unhas e dentes por uma transferência para a Riviera Francesa. Durante busca implacável pela mudança, Abrams acaba metendo os pés pelas mãos e sendo transferido, em regime disciplinar, para o norte da França, mais especificamente para a cidade de Bergues.

Com o roteiro simples e um pouco previsível, A Riviera Não é Aqui pode parecer, aos desavisados, um “filme de turista”, com belas panorâmicas, mas não é, pois possui diálogos inteligentes, um pouco de humor negro e forte crítica aos preconceitos regionais. A cultura local dos “ch’tis”, adjetivo regional que identifica o francês do norte do país, é apresentada de forma natural, fazendo com que o público se sinta introduzido a vida cotidiana deles e não em uma sala de aula.

A Riviera não é Aqui não discute a respeito de uma cidade, mas sobre uma cultura que muitas vezes é esquecida e como qualquer um pode se apaixonar por ela. Em um momento do filme, Dany Boon, -nascido e criado em Nord-Pas de Calais, norte da França - por meio do personagem Antoine, diz que “quando um sulista vem ao norte, ele chora duas vezes: uma quando chega e outra quando vai embora”. Longe do discurso moralista ou hipócrita, a mensagem do filme é muito mais que uma simples lição de tolerância, mas de liberdade.

Escuridão e sangue

2010-04-11T09:28:00.001-07:00

Homem durante o dia, mas, quando a lua cheia surge no céu, o ser humano dá lugar a um animal. A famosa duplicidade do lobisomem sempre ocupou o imaginário das pessoas com o seguinte questionamento: até onde vai o homem que existe na fera e até onde vai a fera que existe no homem? Longe de qualquer preceito psico-filosófico de uma análise quase freudiana do personagem em si, ela sempre foi considerada uma mera coadjuvante, já que vampiros e monstros, como Frankenstein, podem se gabar de terem uma vasta e decente lista de representações. Mas o homem-lobo sempre habitou as salas de cinema, seja na famosa série teen “Crepúsculo” ou no mais novo blockbuster de terror: “Lobisomem”.

Com o Benício Del Toro no papel principal, “Lobisomem” brinca com o claro e escuro dos filmes de terror antigos, já que é a refilmagem de um clássico de 1941. De forma sombria e gótica, a película trata da história de Lawrence Talbot, famoso ator de teatro, que retorna a cidade natal para investigar o sumiço e a morte do irmão mais novo. Chegando lá, encontra a noiva do irmão Gwen, interpretada por Emily Blunt, o misterioso pai, papel de Anthony Hopkins, e uma estranha maldição. Suspeito de uma série de assassinatos, Lawrence começa a ser investigado por um detetive interpretado por Hugo Weaving. Mas não há um homem que controle a força de um animal.

O filme ganha pontos pela boa atuação de Del Toro, que tem no currículo “Che” e “21 gramas”, mas nunca teve seu nome ligado a filmes mais comerciais e, em algumas entrevistas recentes, se revelou um grande fã de filmes de terror e, em especial, de personagens incompreendidos e com problemas de sociabilidade. Emily Blunt, a mocinha da história também não decepciona, já que se mantém longe do estereótipo de “donzela em perigo”. Mas, como era de se esperar, a grande atuação do filme é de Anthony Hopkins, que une com perfeição o sarcasmo corriqueiro dos filmes de terror sangrentos e do mistério ininterrupto da história. Para aqueles que gostam de sangue, o filme, do mesmo diretor de “Querida, Encolhi as Crianças”, também é indicado, já que o Lobisomem, assim como os lobos, é um predador voraz e violento com suas vítimas, tingindo o cenário sombrio, cinza e escuro de vermelho.

Um (inesperado) final

2010-03-07T13:16:00.001-08:00

Depois de 8 meses de produção, o “Três Quartos” saiu. Então, pegue a sua pipoca e bom filme!

Três Quartos - parte 01

Três Quartos - Parte 02

Créditos da foto: Leonardo Mascaro

João de Santo Cristo, Eduardo e Mônica

2010-03-02T14:26:00.001-08:00

Confesso não gostar de Legião Urbana, mas achei esses dois vídeos de animação feitos pela Peixe Aquático e divulgadas pelo Não Salvo tão legais que resolvi publicar aqui. Afinal, pela criatividade e pelo humorzinho bonitinho vale aquentar as manjadas Faroeste Cabloco e Eduardo e Mônica.

Colinas, sangue e muito ketchup

2010-01-20T16:35:00.001-08:00

Zapear pelos canais de filme da TV a cabo sempre é uma aventura. Entre um canal e outro, você pode encontrar o seu próximo filme favorito ou a próxima porcaria da sétima arte. Foi numa dessas aventuras pelo incrível mundo a cabo que eu descobri "Colinas de Sangue". E como filme de terror é uma aventura à parte, resolvi assistir.

Filme americano filmado na Bulgária, o thriller conta a história de três amigos viciados em filmes de terror resolvem fazer um documentário sobre fictício filme de terror independente chamado "Colinas Vermelhas”, considerado o filme mais aterrorizante da história do cinema. Mas, durante a visita a floresta que serviu de set para o filme, eles descobrem que nada no tal filme era mentira e que todas as mortes eram reais, assim como o assassino. Deu medo?

Para quem gosta de filmes nojentos que se tornam engraçados sem querer, "Colinas de Sangue" é uma boa opção. O filme tem uma das introduções mais nojentas que eu já assisti. Assim como um dos finais mais ridículos do mundo do cinema (depois do clássico final "Nossa, foi só um sonho", muito famoso em redações do ensino fundamental e em filmes ruins). Mas por que resenhei esse filme? Porque ele tem uma das melhores frases sobre filmes de terror que eu já ouvi: "O cinema serve para mostrar para as pessoas o que elas não querem ver" e também faz um monte de piadinhas com diretores e com todo mundo que trabalha com cinema. Vale apena para quem quer rir um pouco do mundo da sétima arte.

A maçã sangrenta

2010-01-04T03:32:00.001-08:00

"Adorava ler histórias de vampiros. Mas boas histórias de vampiro. Nada dessas histórias românticas de jovens lânguidos chupando o sangue de pessoas bonitas”. Essa foi a primeira frase dita por Guillermo Del Toro em um vídeo liberado pela Editora Rocco para promover o seu primeiro livro: "Noturno", lançado no segundo semestre de 2009.

Em parceria com um dos maiores autores de thrillers da atualidade, Chuck Hogan, o cineasta se aventura no mundo dos "seres da escuridão" e bate de frente com os sucessos que "romantizam" a figura dos herdeiros do "príncipe das trevas".

O livro é o primeiro da "Trilogia da Escuridão" e conta a tem a seguinte história: depois da misteriosa morte de (quase) todos passageiros de um boing e de estranhos fenômenos que ocorrem depois de uma ocultação lunar, um vírus desconhecido começa a atingir a população de Nova York. A epidemia se alastra e atinge lares, famílias e o mundo. Ficou com medo? Bem, essa era a intenção.

O livro não exagera no derramamento de sangue e nas “cenas fortes”, mas nos calafrios, nos arrepios e na repulsa. "Noturno" é uma história envolvente, rápida, gostosa e viciante para quem gosta de vampiros ou apenas quer fugir dessa mania de deixar os vampiros mais meigos.

Vale a pena lembrar que Del Toro está filmando o livro "O Hobbit" de J. R. R. Tolkien. Mas não há informações oficiais que "Noturno" vire filme, apenas há indícios. Resta esperar para ver se Del Toro resolverá encher os túneis de Nova York de vampiros, como fez em seu livro, para levá-lo as telas de cinema.

**A editora também criou um hot site para promover a trilogia.

And a happy new year.

2009-12-31T17:09:00.000-08:00

Nada melhor que uma bela imagem para começar 2010, não é?

(Empire Mag, Novembro – 2008)

Big Brother Paranormal

2009-12-28T20:03:00.001-08:00

Reza a lenda que Steven Spielberg não conseguiu assistir "Atividade Paranormal" de uma vez só. Dizem que ele sentiu tanto medo que teve que parar e continuar na manhã seguinte, quando já estava claro. Como um homem que conviveu, durante uma gravação inteira, com o E.T. poderia ter medo de alguma coisa?

"Atividade Paranormal" começou a ganhar fãs mesmo antes de estrear formalmente. Feito com um orçamento modesto de 15 mil dólares, dois atores desconhecidos interpretando eles mesmos e um teaser de arrepiar, o filme fez uma turnê pelas cidades americanas antes de ir realmente para os cinemas. Quem queria ver o filme em sua cidade, teria que votar nela por meio de um site e esperar que seus vizinhos fizessem o mesmo para que uma sessão com inicio às 23:59 invadisse a tela do cinema local com as piores palavras para se mostrar em um filme de terror depois de "baseados em fatos reais": "agradecemos o departamento de polícia de tal cidade e as famílias de tais pessoas pelas imagens a seguir".

Seguindo a já aqui citada tendência de handycam para filmes de terror, o filme é dirigido por Oren Peli e relata as estranhas atividades que ocorreram durante 23 noites na casa, que pertence ao diretor na vida real, dos namorados Micah Sloat e Katie Featherstone (a melhor atuação do filme). Um ótimo divertimento para quem gosta de sustos repentinos e de dormir depois de assistir um filme de terror, a premissa do filme se baseia naquele medo que todo mundo tem e já teve: de ser observado enquanto dorme.

Apesar de levar um pouco de tempo para começar realmente, o filme não tem trilha sonora e toda a tensão cresce embasada nos "Oh my God!" e "What the ...?". Algo a se notar é que há duas versões diferentes do filme: uma que circula na internet e a que está nos cinemas. A da internet, apesar de não tão assustadora, tem mais sentido e se torna mais triste que a que está nos cinemas, que é mais bem finalizada e ganha na tensão.

Feliz Natal

2009-12-25T09:50:00.000-08:00

Sobre vampiros e lobos

2009-12-10T12:09:00.000-08:00

O meu primeiro contato com a série “Crepúsculo" foi quando uma amiga minha disse que precisava ler a coleção toda antes que o primeiro filme da série entrasse em cartaz. Cinco horas depois, ela já estava viciada em vampiros, Forks e no Edward. Assim como uma epidemia-zumbi, o vírus Twilight foi passando de leitor para leitor. Com o filme, a epidemia se tornou ainda mais devastadora.

Assisti o primeiro filme da série, "Crepúsculo" depois de convencida por duas amigas minhas que iria gostar. Não gostei, mas confesso que não achei ruim. A história de amor entre a adolescente-emo Bella (Kristen Stewart) e o vampiro-vegetariano Edward (Robert Pattinson) é fraca, fácil e sem grandes atritos, mas cumpre o seu papel de "filme para meninas". A trilha sonora é boa, os efeitos são péssimos e algumas atuações são medianas.

Com o mesmo pretexto de "vamos ver no que vai dar", fui ver o "Lua Nova" no dia de estréia. Não vou comentar que comprei o ingresso duas semanas antes e que o cinema tava tão cheio que entrei na sala uma hora antes da sessão e não consegui um dos melhores lugares. O dramalhão do romance da emo com o vegan é elevado à vigésima potência, agora que ela percebe que vai envelhecer e ele vai ficar Robert Pattinson para sempre. Acontece que a nossa bela dama é abandonada pelo vampiro e entra em depressão, até encontrar com o peitoral e com a amizade do menino-lobo Jacob (Taylor Lautner).

Detesto filme que força a sua emoção. Sabe aquela cena do "Titanic" em que o Jack morre congelado quando está agarrado na porta em que a Rose está boiando? É ela gritar "Jack?" e "My heart will go on" começar a tocar para você começar, inevitavelmente, a chorar? Pois é. Em "Lua Nova", a emoção é totalmente forçada. Você TEM que chorar quando a Bella é largada e quando ela volta para os braços branquelos do nosso herói, senão a diversão fica incompleta. Eles querem que você chore, então vá esperando o "momento lencinho". Os efeitos especiais também são de chorar, assim como a atuação dos protagonistas, que constantemente beiram o caricato. Mas, a trilha continua boa, apesar de ser mais dramática que a do primeiro filme, e é ainda um ponto positivo para se acompanhar a série.

"Lua Nova" e "Crepúsculo" são filmes de entreterimento e só. Não vá esperando qualidade de roteiro, de atuação e tudo mais, porque o filme não foi feito com o intuito de "fazer escola". Não sou de mandar as pessoas fugirem de filmes, mas, nesse caso, abro uma brexa: assista o primeiro filme para dizer que assistiu e só veja "Lua Nova" para rir ou chorar (devido aos defeitos, é claro).

Sr. Anderson e a raposa

2009-11-02T06:39:00.001-08:00

Wes Anderson é um dos meus diretores/roteiristas favoritos. O humor negro, os silêncios constrangedores e a forma com que ele trata as relações familiares sempre me encantaram.

Ao entrar no mundo da animação, Anderson não poderia ser inovador. Em “O Fantástico Sr. Raposo”, o diretor inova, em tempos de overdose de animação digital, ao fazer stop-motion com fotografias tiradas uma a uma de bonecos em movimento, apesar de manter o seu estilo de roteiro e de humor inteligente.

A história é a mesma bagunça de todos os roteiros de Wes. Sr. Raposo se muda com a família para uma árvore e acaba tendo diversas desavenças com os fazendeiros da área. A história é baseada no livro de mesmo nome de Roald Dahl, autor de “A Fantástica Fábrica de Chocolate”.

As vozes são um ponto a se notar. Toda a “gangue” de Wes Anderson entrou na jogada, até ele mesmo. Bill Murray (sempre hilário), Owen Wilson e Jason Schwartzman (sempre fofo) estão lá, além de figurinhas “novas” no fabuloso mundo de Anderson, como George Clooney, que dá voz e trejeitos a Mr. Fox, e Meryl Streep.

Vale a pena para quem gosta de animação, para quem gosta de Wes Anderson ou até mesmo que vai pela trilha sonora, que sempre dá ponto positivo para os filmes de Wes Anderson.

Nunca pare de filmar

2009-11-01T07:51:00.001-08:00

Novo filme de terror é sempre uma surpresa. Podemos nos deparar com um dos futuros ícones do gênero ou com um lixo manchado com tinta vermelha e groselha. Diferentemente dos filmes que precisam de shows tecnológicos para se tornar plausíveis, os filmes de terror nunca precisaram muito disso, apenas de um pouco da imaginação do espectador. Sendo assim, é difícil um filme hollywoodiano de terror-trash ganhar os corações. Desse vazio por sangue-falso e zumbis, nasceu o amor dos fãs do gênero por os chamados “pólos alternativos do cinema mundial”.

Toda essa “referência histórica” é para falar sobre “[REC]”, de Jaume Balagueró e Paco Plaza. O filme conta a história da repórter Ângela e do cinegrafista Pablo que fazem um programa sobre a rotina dos profissionais que trabalham de madrugada. Durante a gravação de uma matéria acompanhando a rotina de um corpo de bombeiros, eles acabam indo atender um chamado em um prédio residencial, mas o que seria uma simples matéria acaba virando um pesadelo.

Interessou? Sim, a história é simples e o filme segue a lógica do famoso “A Bruxa de Blair”: câmera na mão, “nunca parar de filmar” e sustos repentinos. Usar handycam tem se tornado quase uma obrigação em um filme de terror moderno, começando com o já citado “Bruxa de Blair” e indo até “Cloverfield”. A filosofia de incluir o espectador na trama tem sido uma forma de lidar com os roteiros não-críveis das histórias de terror.

“[REC]” dá realmente muito medo e dá aqueles sustos óbvios nas horas mais oportunas, mas que a nunca deixam uma alma sem pular na poltrona. Não é preciso falar que o filme foi um sucesso na Europa e, como todo o sucesso internacional com pegada independente, teve o seu remake hollywoodiano. “Quarentena” é mais bem feito, bem mais acabado e bem mais mal atuado. Mas, não chega nem aos pés do terror causado por “[REC]”, que ganhará uma seqüência em 2010. Tomara que não queiram fazer o mesmo com o remake.

Teaser de [REC]²

Terror no Éden

2009-09-14T17:36:00.001-07:00

É notório que os filmes de Lars Von Trier conseguem aflorar sensações bastante adversas em seus telespectadores. Segundo uma das milhares de comunidades do site Orkut que celebram o talento do cineasta dinamarquês, quem assiste um de seus filmes tem vontade de agredi-lo e de abraçá-lo. Com o seu novo filme, essas “sensações adversativas” ficam à flor da pele.

Criado em uma crise depressiva do cineastra, "Anticristo" é a sua mais nova obra. E, logo em sua primeira exibição no Festival de Cannes, gerou, como já era de se esperar, muita polêmica. Cenas de sexo e de mutilação, dois atores em cena, um cenário bucólico, câmera lenta e uma raposa falante se misturam em um universo paralelo chamado Lars Von Trier.

A história do filme é a seguinte: depois da morte do filho pequeno, uma jovem escritora (Charlotte Gainsbourg) entra em profundo luto. O seu marido (Willem Dafoe), que trabalha como terapeuta, começa a tratar a esposa. Em uma viagem a uma cabana, chamada ironicamente de Éden, fatos estranhos começam a ocorrer. Sinopse de filme de terror, não? Mas o filme é muito mais que um simples filme de terror, pois trata do medo e do mal como forças supremas e muito maiores do que podemos controlar.

O filme é dividido em 6 partes. Na sequência inicial, o "Prólogo", é apresentada uma cena de sexo estilizada em preto-e-branco, que contrasta com a cena da morte do filho. Esse contraste é constante em todo o filme. Drama, terror e sangue se misturam com sensações de nojo, repulsa, ódio e prazer. Enquanto Lars brinca com os sentimentos dos expectadores, os expectadores brincam de gostar e de odiar os seus filmes.

Quer ver a foca ficar feliz?

2009-09-14T17:17:00.000-07:00

Reza a lenda que o Bola da Foca nasceu de uma ligação telefônica nos corredores da Faculdade Cásper Líbero. Algo como: “E aí, cara? Vamos fazer um blog? Um blog de notícias onde gatos no telhado e guerras mundiais tenham o mesmo valor-notícia?” Bizarro, certo? Uma epifania, eu diria.

“Bola da Foca é o resultado de desocupações. Também é resultado de um título esdrúxulo que agrega gente que gosta de noticiar, os quase-profissionais que desejam ter os seus textos publicados em algum lugar.” (Fonte: Eles mesmos)

De jornalista inexperiente (um foca) em jornalista inexperiente (outro foca), o blog-colaborativo-de-comunicação cresce mais a cada dia e faz com que focas tenham um mar livre para aprender nadar.

Parabéns ao Bola da Foca por fazer parte do TOP 100 do Prêmio Top Blog e mostrar que a inteligência coletiva pode mudar a forma de fazer jornalismo.

Na foto: um pedaço pequenino dos 47 focas colaboradores.

Ana Castilho, Mariana Bruno, Pedro Zambarda, Priscila Jordão, Fernanda Chazan e Ariane Fonseca. Detalhe? Todo mundo tá de VERMELHO-E-PRETO, as cores do Bola. =D

PS: Minha primeira matéria publicada no Bola: Múmias na China?

A vida é um jogo

2009-09-14T13:46:00.000-07:00

A primeira vez que Gael Garcia Bernal e Diego Luna contracenaram juntos foi na novela mexicana “Vovô e Eu”, sucesso da Televisa e do SBT nos anos 90. Gael era um dos protagonistas e Diego fazia parte de sua turminha de amigos. Mas, eles apenas se tornaram internacionalmente conhecidos com o lançamento do road-movie-latino-americano “E Sua Mãe Também”, premiado no Festival de Veneza em 2001.

A dupla voltou a dividir as telas esse ano em “Rudo Y Cursi”. Exibido no Festival de Sundance no começo do ano, o filme será lançado no Brasil diretamente nas locadoras, depois de exibições no Festival de Cinema Latino-Americano. O longa é a primeira produção da ChaChaCha, produtora de Guillermo Del Toro ("Labirinto do Fauno"), Alejandro González Iñárritu ("Babel") e Alfonso Cuarón ("Harry Potter e o prisioneiro de Azkaban").

O filme é uma crônica diferente sobre o mundo do futebol, suas aventuras e desventuras. Tato (Luna), o "Rude", e Beto (Bernal), o "Brega", são irmãos e trabalham em uma plantação de bananas no México. Durante uma partida de futebol de várzea, chamam a atenção do olheiro Batuta (Guillermo Francella). Mas, como apenas um deles pode ser escolhido, Beto acaba se tornando uma grande estrela do futebol, mesmo tendo o sonho de se tornar cantor. Um tempo depois, Tato acaba tendo a sua chance também, mas no time rival do irmão. Máfia futebolística, "maria-chuteiras", breguisse, drogas e muitas metáforas futebolísticas completam o humor negro tradicional dos roteiros de Carlos Cuarón ("E Sua Mãe Também").

Um ponto positivo do filme, além das frases filosóficas de jogo de futebol e mesa de bar, é o trabalho de divulgação do filme. O site oficial é divertidíssimo e faz com que você entre no mundo do filme. Também foi lançado no Youtube um vídeo-clipe de Gael Garcia Bernal, caracterizado como Brega, cantando "Queiro que me queiras", mais conhecida como "I want you to love me". Para fãs ou não de futebol, humor negro e atores bonitinhos, "Rudo y Cursi" é uma ótima jogada.

A Onda dos camisas brancas

2009-08-26T17:50:00.001-07:00

O que é importante em uma ditadura? Baseado em uma história real ocorrida na Califórnia no final dos anos 60, o filme “A Onda” mostra a experiência de um professor de uma escola secundária na Alemanha. O filme é um remake de um filme americanos feito para a televisão em 1981.

Usando os alunos como “ratos de laboratório”, Rainer Wenger (Jürgen Vogel) cria um movimento autocrático durante uma oficina de uma semana sobre uma forma de governo. Os alunos, intusiasmados com os ideais de poder, disciplina e comunidade, o nomeiam de “A Onda”. Mas, como era de se esperar, o experimento sai do controle do professor e acaba se tornando uma obcessão para os seus alunos, resultando em trágicos acontecimentos.

Ideais políticos deixados de lado, o filme é realmente muito bom. Filmado na estética de documentário, ele não traz apenas uma ideia de realidade e de atualidade, mas também carrega lirismo e, ao mesmo tempo, um pouco de sangue-frio. Não há como não se sentir atormentado após o fim do filme.

Cena do filme.

Strangers

2009-08-16T13:34:00.001-07:00

É um curta de 2004 e foi dirigido por Erez Tadmor e Guy Nattiv.

Achei tão bom (não sei se pelo tema ou pelo humor-negro) que resolvi postar aqui.

Fadas que vem lá…

2009-08-08T18:19:00.001-07:00

Were the World Mine foi muitas vezes chamado de “High School Musical gay” pela crítica norte-americana. Mas, quem o assiste afirma que ele é muito mais que isso.

Durante a montagem de “Sonho de uma Noite de Verão” na aula de teatro, Timothy, garoto excluído por ser gay em um colégio só de meninos, acaba descobrindo o elixir do amor, utilizado por seu personagem na peça para enfeitiçar todos os outros personagens. Além de fazer com que Jonathan, o capitão do time de rugby do colégio, se apaixone por ele, o “cupido” acaba tornando grande parte da cidade em homossexuais.

O musical une o “inglês formal” de Shakespeare com batidas eletrônicas para tratar do amor. O que mais chama a atenção são os diálogos, eles fogem do lugar comum e das gírias moderninhas da juventude americana e chegam a citar ou parafrasear Shakespeare na “cara dura”. O elenco também é um caso especial, apesar de não possuir nenhuma figurinha carimbada. Tanner Cohen faz um trabalho muito bom de voz e de caracterização. Outro destaque é Zelda Williams (filha do ator Robin Williams), que acaba tomando a cena e dando um clima mais “moderninho” as músicas que participa.

O filme foi tomando prêmios de todos os festivais que concorria e sendo proibido e criticado em todos estados que passava, pois, segundo eles, “passava um ideia errada de Willian Shakespeare. Panfletário ou não, para fãs de Shakespeare ou não ou para simpatizantes da causa ou não, Were the World Mine é um filme que merece ser assistido.

DETALHE IMPORTANTE: Tem que baixar o filme, pois não há cópias no Brasil.

O humor-negro da blondie e do K.

2009-07-14T05:18:00.001-07:00

A capa do livro "Marilyn e JKF" é única que se salvou da "limpeza" que o governo fez nas imagens da celebração onde Marilyn cantou "Happy Bithday, Mr. President" trajando um "vestido" (uma gase) cravado com brilhantes. Sendo assim, isso é apenas um aperitivo para o grande banquete de revelações sobre o conturbado caso da Blondie-Bombshell com o Prez.

Baseado em depoimentos e documentos, Forestier decifra tramóias da CIA e do FBI, relações entre governo e máfia e tudo mais que os amantes de fofocas mais gostam de ouvir. Utilizando a atmosfera de filme noir e um humor-negro peculiar, o livro transporta o leitor para uma era e para uma realidade onde ninguém "via e nem ouvia nada", se é que me entendem.

I wanna rock’n’roll… \m/

2009-07-13T19:03:00.000-07:00

Feliz Dia do Rock. =]-

Música para as próximas gerações

2009-07-09T07:28:00.001-07:00

“You are going to hell”. Essa foi a primeira frase que ouvi dos Bastard Fairies. Não conhece? Eles são pouco conhecidos e estão muito felizes com isso. Fazem o que chamam de “rock ateu”, pois atacam em quase todas as músicas os “dogmas” da Igreja, além de fazer a boa e velha crítica a sociedade. Os vídeoclipes da banda são muito bem feitos, sendo o melhor deles o da música que citei no começo do post: “We are going to hell”. Mas, o vídeo mais famoso (e mais polêmico) deles é um em que uma garotinha faz críticas ferrenhas a Bill O'Reilly, político republicano que defende posturas hiper-conservadoras (não diga…), e a Igreja.

Are Baba

2009-07-08T21:15:00.001-07:00

A Índia está na moda. Todo o mundo, por mais que tente não cair na onda da novela, acaba por soltar um “are baba” ou “arrastar o sári pelo mercado” quando menos espera. Tendo em vista esse boom de paixão pelo país de Lord Ganesha, fica a dica o site Cinema Indiano, com informações, sinopses, vídeos com teasers e coreografias que deixam a dancinha do Tony Ramos no chinelo.

Dicas de Cinema Indiano (ou nem tanto) do Aperte o Play:

- Jodhaa Akbar – Esteve na Mostra do ano passado e foi um dos escolhidos pelo público. Dura mais de 3 horas, tem a estrela-suprema de Bollywood, Aishwarya Rai, e faz todo mundo do cinema puxar o lencinho. A trilha sonora é de A. R. Rahman, conhecido pela trilha sonora do comedor de Oscars Quem Quer Ser um Milionário?, e os figurinos são de dar inveja até a Maria Antonieta.

- Mira Nair’s Kama Sutra – Mira Nair é, sem dúvida, a minha diretora indiana favorita. Famosa por filmes como Vanity Fair, ela não é tão querida pelo público indiano popular, pois trabalha no cinema independente e fez mais fama e admiradores (eu! :) ) fora da Índia. Kama Sutra fez fama e polêmica por onde passava, mas algo interessante de se observar é que o ator Naveen Andrews, o Sayid do “Lost”, está nesse filme, e as paisagens são em sua maioria áreas pouco habitadas e lembram pouco os cartões-postais indianos.

Para tentar manter um nível decente do blog, fotos mais esclarecedoras sobre o filme foram vetadas. Grata, a direção.

- The Namesake – Outro Mira Nair. Contando a saga de uma família indiana nos Estados Unidos, a história acaba por contar a saga de toda uma geração de indianos que sairam de suas famílias para tentar a vida do outro lado do mundo. O filme ficou bem popular desse lado do mundo, especialmente entre os imigrantes indianos americanos, pelo fato de ter muitas figurinhas carimbadas no filme, como o ator Kal Penn, que fez parte do elenco da série “House M.D.” e da franquia “Harold and Kumar”. (Sobre “Harold and Kumar” : O segundo “Harold and Kumar go to Guantanamo Bay” é muito bom. Então, joguem o preconceito pela janela e assistam essa pérola dos filmes com piadas politicamente incorretas.)

- Bride and Prejudice – Pérola das regravações Bollywoodianas, a versão hindi de Pride and Prejudice faz muito sucesso pela história divertida e pelas dancinhas divertidas, mas ganha público também pelo Naveen Andrews, que, além de ser eternamente taxado como Sayid, DANÇA e CANTA no filme.

- A trilogia de Apu – Faz um tempo que eu li algo como: “Se o cinema indiano fosse o rock, Satyajeet Ray seria o Elvis Presley”. Verdade seja dita, ele criou o cinema indiano moderno. E a trilogia de Apu é o princípio de uma índustria inacreditávelmente potenciosa. (A Trilogia de Apu pode ser comprada na Livraria Cultura e vale muito a pena.)

E como música de Bollywood é SEMPRE legal, coloquei a minha favorita como fim desse post:

Para quem não lembra ou "não assiste novela", essa música era o tema da Maya e do Bahuan na primeira fase da novela. Mas, a história da Jodhaa e do Mohammed é bem mais legal que a da imaginação da Glorinha. :)

Rock’n’piano

2009-06-19T20:23:00.001-07:00

Quando eu vi os clipes de fãs do show do Serj Tankian com a APO no começo do ano não fiquei muito empolgada. Primeiro, o som de todos estavam muito ruins. Segundo, a música nova tinha um videozinho muito legal de um minutinho e pouco, onde o Serj tocava no piano um pequeno refrão de 50 segundos. FODA. Mas, a Sony-motherfucker tirou do ar. (Mas, como fã bom é fã previnido, eu tenho o arquivo em wave. há.)

[“Aperte o Play, sempre chegando na frente”]

Terceiro, “Saving Us” ficou meio fraquinha em TODOS os clipes feitos por Cybershots fãs de boa música (sim, eu sou modesta) e isso significava: só comprar para vê-lo de terninho branco estiloso e com o visual “roqueiro-libânes-descendente-de-armênios-sujo-porém-limpinho”. Quarto, ele não gravou “Charades”, que ia ficar muito boa na orquestra, então vamos ter que conviver com essa versão dele para o Axis of Justice:

Mas, voltemos a Serj + APO. O show vai virar um dvd + cd que começará a ser vendido no além mar no mês que vem, segundo fontes internas (o site do fã-clube oficial).

[“Aperte o Play, sempre chegando na frente”]

Esse é o “sample” do dvd. Assistam e babem.

Essa música, para quem não conheça, não é a faixa título do disco (“Elect the Dead”) , mas sim “Feed Us”, irmã de sangue da (minha favorita do cd original) “Saving Us”.

Redação e cozinha

2009-06-17T16:36:00.001-07:00

http://noticias.uol.com.br/cotidiano/2009/06/17/ult5772u4370.jhtm

Sem mais.

Fly like papers…

2009-06-14T08:35:00.001-07:00

Tom Morello, Boots Riley e Axis Of Justice House Band em L.A. – Março desse ano.

Cover de “Paper Planes” da M.I.A. (a.k.a. uma das 5.000 músicas fantásticas da trilha sonora do Slumdog Millionaire).

(Os melhores covers do mundo são os do Axis Of Justice. Procure a versão deles de “Get Up, Stand Up” do Bob Marley no Youtube. Nem o Elvis Presley cantando Hank Williams ganha.)

Mae West

2009-06-11T11:02:00.001-07:00

“You only live once, but if you do it right, once is enough”

Influenciar a forma da garrafa da Coca-Cola é para poucas.

Life on a Starship

2009-05-27T18:06:00.001-07:00

Vi no RH Do Inferno. O blog, não a repartição “pública”.

Blank

2009-05-22T02:57:00.001-07:00

“- Por que pessoas legais moram longe?

- Porque não moramos mais na Pangéia.”.

hé.

Eurovision: Noruega leva prêmio e recorde

2009-05-17T11:02:00.001-07:00

O bielo-russo Alexander Rybak ganhou ontem o Eurovision Song Contest 2009 com a canção "Fairytale". O cantor, que representava a Noruega, recebeu 387 pontos, a pontuação mais alta da história do festival. A Islândia, da cantora Yohanna e sua romântica "Is it true?", ficou com o 2º lugar e com 150 pontos abaixo de Rybak. E o Azerbaijão, de Aysel & Arash da moderninha "Always", em terceiro.

O Eurovision ocorre anualmente desde 1956 e é considerado o Oscar da música pop européia. O festival funciona da seguinte maneira: cada país seleciona uma música para ser participar de eliminatórias que ocorrem durante uma semana. Durante esse período, o público vota na que será a “música mais popular da Europa”. A canção deve ter uma letra na língua oficial do país que irá representar e a sua tradução para o inglês, sendo que nessa língua que a canção será vista pela Europa inteira por meio das emissoras licenciadas pela EBU, a organizadora do evento. Para se perceber a importância do Eurovision, basta lembrar que a banda ABBA teve a fama internacional alavancada pela sua apresentação no concurso de 1974. Muito criticado por “pasteurizar” a música européia e por tentar esconder problemas políticos e socioeconômicos, o festival se defende alegando que não é um festival com intenções políticas, mas sim culturais.

Finalistas do Eurovision 2009

1 - Alexander Rybak - "Fairytale" (Noruega) - 387 pontos
2 -Yohanna - "Is It True?" (Islândia) - 218 pontos
3 - AySel & Arash - "Always" (Azerbaijão) - 207 pontos
4 - Hadise - "Düm Tek Tek" (Turquia) - 177 pontos
5 - Jade Ewen - "It's My Time" (Reino Unido) - 173 pontos
6 - Urban Symphony - "Rändajad" (Estônia) - 129 pontos
7 - Sakis Rouvas - "This Is Our Night" (Grécia) - 120 pontos
8 - Patricia Kaas - "Et S'il Fallait Le Faire" (França) - 107 pontos
9 - Regina Bistra - "Voda" (Bósnia-Herzegovina) - 106 pontos
10 - Inga & Anush - "Jan Jan" (Armênia) - 92 pontos
11 - Anastasia Prikhodko - "Mamo" (Rússia) - 91 pontos
12 - Svetlana Loboda - "Be my Valentine!" (Ucrânia) - 76 pontos
13 - Brinck - "Believe Again" (Dinamarca) - 74 pontos
14 - Nelly Ciobanu - "Hora Din" (Moldova) - 69 pontos
15 - Flor-de-lis - "Todas As Ruas Do Amor" (Portugal) - 57 pontos
16 – Noa e Mira Awad - "There Must Be Another Way" (Israel) - 53 pontos
17 - Kejsi Tola - "Carry Me In Your Dreams" (Albânia) - 48 pontos
18 - Igor Cukrov feat. Andrea Lijepa - "Tena" (Croácia) - 45 pontos
19 - Elena - "The Balkan Girls" (Romênia) - 40 pontos
20 - Alex Swings Oscar - "Miss Kiss Kiss Bang" (Alemanha) - 35 pontos
21 - Malena Ernman - "La Voix" (Suécia) - 33 pontos
22 - Chiara What - "If We" (Malta) - 31 pontos
23 - Sasha Son -"Love" (Lituania) - 23 pontos
23 - Soraya - "La Noche Es Para Mí" (Espanha) - 23 pontos
25 - Waldo's People - "Lose Control" (Finlândia) - 22 pontos

Do que você tem medo?

2009-05-04T19:31:00.001-07:00

Cartaz do filme (clique para entrar no hot-site)

“A única imagem totalmente verdadeira é a de um fóbico perante a sua fobia.”. É nessa teoria que se baseia o “falso-documentário” FilmeFobia. O making-of de um projeto de um documentarista (Jean-Claude Bernardet, um dos maiores estudiosos de cinema no Brasil) que deseja explorar, de forma discutivelmente sádica, os limites psicológicos dos seres humanos é a trama-falsa do filme. A sua verdadeira trama é tentativa em traçar a linha do real com a do ficcional. É claro que contrapondo um fóbico com o que causa a sua fobia, a imagem seria amplamente real. Mas, Kiko Goifman, o idealizador do projeto, não trabalha apenas com fóbicos reais, mas também com atores, selecionados por meio de um estranho “detector de mentiras”, que informava o quanto de “verdade” havia na atuação deles como fóbicos, mas alguns deles são realmente fóbico.

Foto do diretor Kiko Goifman

Essa mistureba de realidade e ficção é o primeiro longa-metragem de ficcional de Kiko Goifman, que faz sucesso entre os amantes de curta-metragens. Goifman tem fobia de sangue e participou do filme. Durante as filmagens de suas “cenas”, ele desmaiou diversas vezes. Sendo uma delas na produção das “cartas de baralho grotescas”. Essas cartas tinham no lugar das imagens padrão, fotografias de cortes, que a diretora de arte do filme, Cris Bierrenbach, se cortou com gilete para formar um jogo de poker sangrento.

A fobia daquela que vos escreve: Fobia de Agulha

O filme conta com uma trilha-sonora inusitada, que foi composta na hora por Lívio Tragtenberg, que utilizava os batimentos cardíacos dos fóbicos para montar uma “batida diferente”. Há uma “consultoria” do mestre dos filmes de terror, Zé do Caixão, que analisa as imagens e reações dos filmes. Então, perante esse jogo quase sádico do real, do imaginário e do terror, do que você tem medo?

Câmera na mão por 3 minutos

2009-04-26T15:35:00.001-07:00

Sei que propaganda não faz parte da linha editorial (???) desse blog, mas quando a causa é boa e/ou a idéia é diferente, se faz um esforço, se ~~corta uns pescoços~~ e se posta! :)

O Cel.U.Cine é um festival de cinema um tanto diferente. Primeiro que ele é de micrometragens. Sim, mi-cro-me-tra-gens. Filmes que são contabilizados em segundos e podem ter até três minutos no máximo, o que significa: contando os créditos iniciais e finais. Segundo porque ele priza a filmagem de celular, mini-DV e filmadoras digitais. Sim, os filmakers “de garagem” já podem considerar que conquistaram o seu lugar ao sol.

Promovido pela Secretária de Cultura do Estado do Rio de Janeiro e pela empresa de telefonia móvel Oi, o festival é realizado desde 2008 e o tema desse ano é “De Cabeça para Baixo”. Os cinco filmes selecionados pelo júri serão exibidos em mostras selecionadas e ainda não divulgadas, mas tudo indica que a primeira exibição será no Festival de Pernambuco que ocorre do dia 27 de abril a 2 de maio. A final será no Festival do Rio, que ocorre de 24 de setembro a 08 de outubro. As inscrições já foram encerradas, mas fica a dica do festival para quem gosta de cinema experimenta e para os filmakers de plantão.

:)

2009-04-22T16:19:00.001-07:00

Feliz Dia da Terra.

Kate no Leste Europeu

2009-04-20T04:28:00.001-07:00

Sim, eu achei muito divertido.

O Terrível Silêncio da Morte

2009-04-03T18:51:00.001-07:00

Há dois anos Boaz tem o mesmo sonho. O israelense imagina que 26 cachorros raivosos correm pela cidade, param e ladram na frente da janela de seu quarto. Não são 30 e nem são 20 cães. São 26. E ele pode dizer com enorme certeza esse número, pois foi ele mesmo quem matou esses cachorros. Só que vinte anos antes dos pesadelos começarem. É com essa lembrança em forma de pesadelo que se inicia Valsa com Bashir, o filme israelense que premiado em Cannes no ano passado e que estréia no grande circuito essa semana.

O documentário trata sobre a tentativa de Ari Folman, veterano israelense na invasão do Líbano de 1982, em recuperar memórias de um fato que participou como testemunha ocular: o massacre dos campos de refugiados de Sabra e Shatila, que matou 3 mil palestinos.

Como não se recorda de nada, Ari, que é o protagonista e diretor do filme, busca nas lembranças de amigos rememorar momentos sangrentos que ele mesmo “apagou do seu sistema”. Por tratar de um fato extremamente cruel, o diretor transformou o documentário em uma animação, onde ele claramente brinca com as cores. O uso do preto e do contraste entre cores quentes e frias torna o filme uma experiência inigualável.

Apesar de não se tornar leve e “bonitinho”, o filme mostra uma realidade triste e sangrenta de uma forma quase lúdica. O espectador se entretêm com a trilha sonora que passa do rock progressivo a música clássica e com a união da realidade e da imaginação que quase se esquece que grande parte do que vê aconteceu de verdade. Todo o lirismo da cena em o amigo de Ari entra em transe e dança com uma arma na mão perante o cartaz do presidente Bashir Gemayel pode ter realmente acontecido, mas a platéia a vê como apenas uma alegoria da idéia que um homem com uma arma na mão pode enlouquecer.

De repente, a animação faz questão de lembrar que é um documentário e nos últimos minutos do filme coloca imagens reais dos palestinos mortos no massacre. Para se tornar mais forte, essa cena não tem trilha sonora, há apenas a voz e a imagem de uma senhora palestina que chora e sofre a morte de seus companheiros. A platéia, em choque com a súbita demonstração de realidade, sente que o diretor fez com que todos dançassem ao som de uma valsa que quando acaba traz o terrível silêncio da morte.

Cena do soldado que valsa com a arma na mão.

Fly Emirates!

2009-02-18T09:07:00.001-08:00

Vi no Ah! Libanesa... e achei muito boa a propaganda.

“Você está demitido!”

2009-02-02T15:01:00.001-08:00

Parece que o mundo dos desempregados na área da comunicação é bem maior que imagina quem transita nos 4 andares “mais famosos” do puxadinho mais chique da Paulista Avenue.

Com a tão famosa crise mundial, o já tão mal-fadado mercado da comunicação está entre um dos mais atingidos. Pensando nisso e tentando mostrar a quantas anda a situação, uma conta do twitter chamada The Media is Dying lista, como se fizesse uma cobertura ao vivo, as demissões de diversos grupos do ramo. O trabalho, ou a falta dele, do assinante (na verdade, um grupo de professionais da comunicação que “tentam ajudar nessa situação tão complicada”) ganhou muita visibilidade. São quase 11.000 pessoas seguindo o site e recebendo avisos diários de quem teve que limpar a mesa e/ou tomar uma portada na cara.

Como nem todo mundo vê a mesma coisa de uma mesma forma, outra conta foi lançada para “brigar” com a TMID. A conta Media is Thriving foi criada para mostrar que a área da comunicação vai “muito bem, obrigado” e que tem área em uma situação muito pior que da “galerinha que fala, escreve e desenha”. Bem, como falar bem de algo nunca faz sucesso, MIT tem um pouco mais de 700 seguidores. E como era de se esperar, bem menos recados de “olha como estamos bem”. Um ponto muito bom da MIT é o seu BIO, onde se lê uma frase um tanto “dorme com essa, fired-people”: Não culpe a industria. Culpe o seu chefe.

Tudo mundo faz versões

2009-01-28T10:00:00.001-08:00

Faz um tempinho já que a Lily Allen faz a versão da música nova da Britney Spears, “Womanizer”. Com medo que fosse encontrar algo como a versão da Alanis Morissette de “My Humps”.

Ok, tem gente que acha que é fantástico e tudo mais. Na minha opinião, parece que ela morreu e é um vídeo de homenagem ou alguma coisa assim.

Mas, o versão da Lily Allen é muito boa. Ficou “fiel” e bem bonitinha.

Procurando bem, achei uma versão bem legal feita pela Lily Allen para a música “Everybody is Changing” do Keane.

E falando em Keane, tem essa versão deles para “Your Song” do Elton John.

(Muito vídeo, né? Mas, as músicas são ótimas)

Wake up… Samantha?

2009-01-23T17:41:00.001-08:00

Com efeitos visuais fantásticos para um filme independente, Donnie Darko é consirado, erroneamente, apenas mais um filme esquisitão e non-sense. Na verdade, ele é um filme misterioso. O seu protagonista, o esquisofrenico psicótico Donnie, é perturbado pela imagem do coelho Frank, que o comanda e faz com que ele tome atitudes que conduzem a uma tragédia.

Oito anos depois do lançamento de Donnie Darko, o clã de Eddie Darko volta ao cinema preparado para mais teorias estranhas, mais visões e mais mistérios. Samantha é a irmã mais nova de Donnie e também é a protagonista de S. Darko. No primeiro filme, ela tem dez anos e é a líder de “Sparkle Motion”, um grupo de dança infantil do colégio em que estuda. Considerada um personagem pequeno e de pouca importância para a história em si, Samantha, é meio uma mera peça em jogo. Já no segundo filme, ela tem 18 anos, começa a ter visões como o irmão. Nenhuma sinopse mais objetiva foi publicada sobre S. Darko, mas pode-se imaginar muita aproximação do primeiro filme.

Trailer feito por fã para S. Darko

Um dos pontos a se notar da película, que tem a data de lançamento prevista para 10 de julho desse ano, é que Daveigh Chase viverá novamente o papel de Samantha Darko. Não conhece? Pois bem, há dois personagens-chave dela que talvez a torne mais vivida na memória. Chase dá a voz a Lilo no filme da Disney Lilo e Stich e dá “vida” também a Samara no primeiro filme da série O Chamado.

Um detalhe que DEVE ser observado é que Ed Westwick, o Chuck de Gossip Girl, vai estar no filme. Isso deve levar VÁRIAS garotas as salas de cinema. Fãs ou não de Donnie e sua famíli e nem se importando se uma continuação mal-feita estragaria a série “prestigiariam” uma idéia que ninguém teve até agora: continuar um filme que ninguém intende de primeira vista.

Bem, elas devem ser de forma nenhuma criticadas, afinal milhares de fãs de Donnie Darko foram de encontro ao filme por causa de um rostinho muito bonito que fez com que um garoto completamente maluco se torna-se o sonho de consumo de milhares de garotas.

Olivia Joules

2009-01-22T05:04:00.001-08:00

Sabe o livro que você já leu tantas vezes que já decorou a história? Bem, A Imaginação Hiperativa de Olivia Joules é esse livro para mim. Tentei por várias vezes negar que era o meu livro favorito, mas não consigo.

Olivia Joules, na verdade Rachel Plixley, trabalha na seção moda e beleza de um jornal inglês, mas o seu maior sonho é trabalhar como repórter política/policial. Dona de uma imaginação hiperativa, ela sempre acaba se atrapalhando por transformar fatos banais em fatos inacreditáveis e, muitas vezes, ridículos. Mas, no decorrer da história, ela se envolve com um homem muito misterioso e vê nele a sua grande chance. Segundo a autora Helen Fielding (a mesma da série Bridget Jones), Olivia é tudo que Bridget queria ser: criativa, bonita e magra.

Li o livro pela primeira vez em 2003. Desde então, todas as férias, eu tento ser atraída por outro livro, mas nào adianta. Olivia Joules, a sua imaginação hiperativa e a sua perseguição por um sonho me prendem.

Say goodbye to the bad guy

2009-01-19T05:31:00.000-08:00

Hoje é o último dia do tido como o pior governo dos EUA. Entre crises econômicas, guerras “contra o terror” e global warming, o chairman do país do Tio Sam, Big Mac e Ipod vai dizer "bye-bye" para a White House e "passar a faixa" ~~ou a batata quente~~ para o Obama.

Bem, ~~para comemorar~~, fica aí as minhas dicas "anti-Bush":

Roubei a dica da Veja. Ok?

Boom! - System of a Down

(Sim, isso é um link. A Sony tem os direitos sobre a videografia oficial do SOAD e, por isso, o código para a publicação não é liberado.)

Não podia faltar. Além da razão óbvia do System ser totalmente "anti-Bush", o anti-Bush #1 dos EUA, Michael Moore, é o diretor do clipe.

Essa não podia faltar MESMO.

“Bush is gonna let you, mother fuckers, die”

[Mind – Big Day Out 2002]

Doentinha

2009-01-15T10:09:00.001-08:00

Se afetada por uma praga, siga atentamente as seguintes regras:

Coloque a sua camiseta mais batidinha. Vista a sua bermuda larga. Deite na cama ou no sofá. Ligue a TV. Assista toda a programação infantil de todos os canais. Só não assista Naruto. Assista aquele filme bobo que a tempos você não assiste. Um dica: Rugrats em Paris.

O começo do desenho é ótimo. É uma paródia (muito idêntica) do Poderoso Chefão! Por essas e outras que eu amo a Nickelodeon.

Deixe o computador ligado o dia todo. Jogue Mahjong, o jogo do Jackie Chan e do Cafúncio, até você precisar desligar o computador porque o mundo se tornou várias pilhas de cartas.

Assista LOST dublado na Globo e mande o dublador do Sayid para o inferno por ser tão péssimo. Durma com o ventilador ligado.

Use sem moderação

2009-01-14T09:05:00.001-08:00

“Nothing is bitter without the sweet”. Além da referência óbvia no nome, a banda americana Bitter:Sweet faz dessa frase uma regra. A combinação dos estilos adversos, que vão do jazz-retrô e o pop-moderninho faz com que a música de Shana Halligan e Kiran Shahani tenha um som diferente, leve e elegante. Segundo o comentário de um fã sobre um vídeo deles no Youtube: “Bitter:Sweet faz músicas para se dançar com um copo de champagne na mão”. Profundo? Não mais de como eles descrevem som que fazem e acabam por falar as suas influências no MySpace: “Portishead encontra Zero 7 com um pouco de Serge Gainsbourg e Everything But The Girl misturado junto”.

Bitter:Sweet “se acha”, mas tem a razão na ponta da língua. Está no Top10 de mais ouvidas no ITunes Store, já entrou no Top 5 da rádio americana KCRW de CD mais pedido, já participou da trilha de diversas séries, como Grey’s Anatomy, Smallville, Law and Order e Samantha Who?, e é a abertura da série Lipstick Jungle, já fez parte da trilha do desfile da Victoria’s Secret, foi trilha do filme O Diabo Veste Prada e muito mais. Comparado a outras bandas que a gente até se cansa de ouvir falar, é pouco. Mas para uma dupla formada à partir de um anúncio de jornal e que se considera tão independente que mantem sob o selo da gravadora indie Quango é muito. Bitter:Sweet prova que na combinação de som e de sabores diferentes, quem sai ganhando é quem aprecia.

Matei um LiveJournal.

2009-01-14T07:16:00.001-08:00

Nunca matei ninguém. Sou ~~de vez em quando~~ conta a violência e tudo mais. Mas, confesso, matei o LiveJournal que eu tinha.

Achava um saco. Era só mudar o layout do blog e... PUFT! Iam para a terra do pé junto todos os meus links, títulos e tudo mais...

Ainda vou manter o blog antigo ativo. ~~Tô pouco me lixando~~ Coitados do que quiserem usar “não mais” como endereço do blog. Mas, também não me deixaram usar “agridoce” no endereço do meu. Here we fuck, here we’ll be fucked.

Acho uma bobeira esse negócio de fidelidade ao 1º blog. Eu já tive tantos... Não tinham essas coisas modernas dos blogs de hoje. Eram meio “versão quebra-pau”. Mas, eram TÃO legais.

Bem, é por meio dessa postagem que abro o meu __ º blog.